Doblete de The Doors

Bueno, vayamos un poquito más atrás en el tiempo y veamos la situación previa de la banda, hasta el momento en que todavía no eran banda.
Como habrán visto en la peli, Jim Morrison y Ray Manzarek ya se conocían de la UCLA (Universidad de Los Angeles, California) y en Julio del 65' Jimbo lo convenció de formar un grupo. El baterista John Densmore iba a clases de meditación con Manzarek y al mes siguiente se les unió y junto con él vino una bajista, Pat Sullivan, integrante de la banda previa de Densmore. Durante el mes de Septiembre llegaron a grabar un demo de 6 canciones que aparecen en el box set Perception Box.
A finales de ese mes se incorporó el guitarrista Robby Krieger y la formación estuvo completa.
La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito. Éste verso se encontraba en el libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.

Al utilizar, Manzarek, su nuevo teclado Fender Rhodes que podía emular el sonido de un bajo, la banda descartó incluir a un bajista aunque para el estudio solían utilizar alguno, como por ejemplo Jerry Scheff.
Luego de afianzarse como banda tocando en el London Fog, los Doors comenzaron a tocar en el Whisky A Go Go, uno de los clubes más importantes de la costa Oeste. Allí comenzaron como teloneros de la banda Them del otro gran Morrison, Van (con los que en la ultima noche juntos tocaron In The Midnight Hour de Wilson Pickett y una larga versión de Gloria de propia autoria de Van Morrison.
Arthur Lee, principal compositor de la banda Love le recomendó a Jac Holzman, el presidente de Elektra Records que pispeara las actuaciones de los Doors en el club, junto con el productor Paul Rothchild. No tardaron mucho en firmar, ese mismo día, el 18 de Agosto lo hicieron. Y otro hecho importante ocurrió solo 3 días después cuando Jim Morrison, durante el tema "The End" improvisó los famosos versos Father? yes son?, I want to kill you. Mother, I want to fuck you.

Antes que nada, aquí, Alfredo Rosso hace una genial pero un tanto efímera descripción del álbum.

Grabado entre el 24 y el 31 de Agosto (!) de 1966 y lanzado el 4 de Enero del año siguiente (¡efemérides!: nacimientos de Isaac Newtoon, John McLaughlin, Michael Stripe y sobre todo del Beto Alonso. Fallecimientos: Phil Lynott) el álbum homónimo de los Doors significó todo un seceso comercial. La banda saco como primer single Break On Through (To The Other Side) pero a duras penas entró entre los 100 primeros de los charts americanos.
Para reforzar más aún el primer single, junto con el director Mark Abramson, realizaron un video musical para dicha canción, algo muy adelantado para la época.
La explosión comercial no llegaría sino hasta el lanzamiento del single"Light My Fire" que para tener más gancho (?) se sacaron los solos de teclado y guitarra. El 29 de Julio la canción llegó al nº1 y al millón de ventas.
Del 7 al 11 de Marzo realizaron las legendarias apariciones en el Matrix Club del que Marti Balin, miembro de Jefferson Airplane, era uno de los dueños del local.
En Mayo hacen su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury).





Otro gran suceso se produjo el 17 de septiembre en el show de Ed Sullivan, los productores del canal querían que Morrison cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" ya que tenia una supuesta referencia a las drogas. Al salir al escenario nada de eso pasó y Jimbo no produjó cambios en la letra. Al finalizar el tema Ed Sullivan se negó a estrechar la mano de los musicos y de allí en adelante no los invitó más a su programa (a pesar de que ya tenian programada nuevas actuaciones). Al darse cuenta de esto Morrison respondió a la prensa "We just did the Ed Sullivan Show".

El video lo subí yo pero proviene de Perception Doors -que ya no existe más-. Aprovechen a verlo antes de que los putos de Youtube lo eliminen

Y una de las últimas actuaciones del año se dio en Jonathan Winters show el 27 de Diciembre.





Grabado entre Febrero y Agosto y lanzado el 25 de septiembre (va de vuelta: nacimiento de Bryan MacLean y fallecimientos de John Bonham y de Donald James Yarmy), Strange Days significó una excelente secuela de su debut, tanto en ventas como artisticamente, pero de todas formas su productor, Paul Rothchild, reflejaba lo contrario:

Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió.


Contrariamente de lo que dice el pesimista (?) de Paul Rothchild, el álbum llegó al puesto 3 y fue disco de platino.
Algunas de las canciones son temas que quedaron fuera del disco anterior como Moonlight Drive (de la que existen demos del año 65') y You're Lost Little Girl.
Uno de los puntos fuertes del álbum son los trucos y efectos que usan, tales como la guitarra pasada al revés en "Unhappy Girl" -truco que ya había utilizado Clapton en el tema de Cream "Sunshine of Your Love"-.



La hermosa foto de la tapa y contratapa del disco fueron tomadas en Sniffen Court, un pequeño barrio de Nueva York. La banda no quería salir en la tapa es por eso que el fotógrafo Joel Brodsky se decidió por esta idea. Se le complicó más de la cuenta ya que, al ser verano, casi todos los circos profesionales estaban de gira.
Los acróbatas eran los únicos que él pudo encontrar; el enano Lester Janus y su hermano menor (no gemelos) Stanley Janus (quien apareció en la contratapa) fueron alquilados de una firma de actuaciones; el malabarista era el propio ayudante de Brodsky; el trompetista era un taxista de por ahí; y el grandulón era un portero del club. La mujer que se encuentra en la contratapa es la estilista de la mujer de Brodsky, Zazel Lovén.


Para cerrar, un clásico:




Homónimo

Strange Days

¿Notaron que Robby Krieger siempre sale mal en las fotos?

The Who - The Who Sell Out (1967)

Debido al incesante (?) pedido del publico y además como prometí, hoy me encargaré de contar la bella historia de un disco aun más bello llamado "The Who Sell Out".

El disco fue grabado entre mayo y noviembre y lanzado a la venta en diciembre de 1967. Pero antes de seguir remontemosnos a como era la situación previa de los Who antes de lanzar este importante disco para su carrera.

Corre el año 1966 y en el mes de diciembre, más precisamente el día 9, es lanzado el disco "A Quick One" en el Reino Unido y en E.E.U.U. como "Happy Jack" debido a que el otro titulo era sexualmente sugestivo. Este disco contenía una pieza musical muy singular para la época llamada "A Quick One, while he's away". Se dice que dicha canción, de más de 9 minutos de duración, es uno de los primeros intentos de "Opera Rock" -tambien podríamos considerar a "Boris the Spider" como un precursor en lo que luego seria el Death Metal (?)-.
Dicho álbum vendió bien en Inglaterra y se podría decir que en Estados Unidos tambien pero aún les faltaba dar el gran salto en tierras del Tio Sam. Dos hechos trascendentales para que los Who triunfaran en America fueron la soberbia actuación en Monterey Pop Festival del 67'...

Miren a Keith Moon en la parte "You're Forgiven", no podía ser más groso...

(...) en la que, mediante una competencia entre Jimi Hendrix y Pete Townshend decidieron quien iba primero y quien después. Para fortuna de los Who Pete perdió y fueron ellos primeros. ¿Por qué digo esto? solo observen:

y la no menos memorable performance de "My Generation" en el programa de los GENIOS Smothers Brothers Comedy Hour les hizo ganar reconocimiento como "los tipos que rompían sus instrumentos"

Antes de tocar en Monterey ya habían comenzado las grabaciones pero luego del empujón que significó el festival, los integrantes volvieron a entrar al estudio de grabación con otro ímpetu. Aprovechando su estadía en E.E.U.U. grabaron la mayoría de los temas en New York, Los Angeles y Nashville, pero para los últimos temas regresaron a los estudios de Londres.

Como podrán ver en la tapa, Roger Daltrey aparece tirado en una bañera llena de pochoclos y en cuero. Bueno, eso le valió una pequeña neumonía durante un tiempo.

Ya entrando en las características del disco; el lado A -vinilicamente hablando- se encuentra todo un conjunto de canciones que arman una obra conceptual basada en una radio pirata llamada "Radio London". Todas las canciones están unidas mediante publicidades y jingles radiofónicos populares de la época. Cabe destacar que el primer lado finaliza con la popular "I Can See For Miles", que fue la única canción del disco que fue lanzada previamente como single.
El lado B ya abandona un poco la temática y se encarga de canciones particulares sin ningún nexo aparente. La ultima canción de dicho lado es "Rael", un extracto de uno de los primeros intentos de Pete Townshend de realizar una opera Rock. El argumento es medio confuso, pero al parecer trata acerca de un Capitán bastante heroico que es traicionado por su tripulación para poder salvar a Rael de la invasión de los Barba Roja (?).

Hay un detalle especial en los últimos minutos de "Rael 1", si prestan atención podrán oír que ese dramatismo orquestal que posee ya lo han oído antes... ¡SI!, es la linea instrumental que posee mucho de los pasajes del magnánimo "Tommy". Por eso es tan fundamental ese disco, sin los reciclajes musicales y argumentales que se toman de este disco, los Who nunca podrían haber dado el paso previo para realizar su -tal vez- obra maestra.
Al contrario de lo que pensaban, el disco fue un "fracaso" ya que solo llegó al puesto 13 en el Reino Unido y en Estados Unidos alcanzo un triste puesto Nº 48, algo a lo que los Who estaban totalmente desacostumbrados.


Lo ultimo, otra cosa para destacar de este disco son sus outtakes y demos. Yo me pregunto... ¿por qué mierda dejaron afuera la adaptación del tema de Edvarg Grierg, "The Hall of the Mountain King" o la salvajada bateristica que se manda Keith Monn en Jaguar?. Como sea, poco apreciado en su momento, hoy en día se encuentra en un lugar de privilegio en la discografía de una de las bandas que marcaron épocas y tendencias musicales, y que supieron convertirse en el emblema de una generación que buscaba una identidad propia.

1. "Armenia City in the Sky
2. "Heinz Baked Beans
3. "Mary Anne with the Shaky Hand
4. "Odorono
5. "Tattoo
6. "Our Love Was
7. "I Can See for Miles
8. "I Can't Reach You
9. "Medac
10. "Relax
11. "Silas Stingy
12. "Sunrise
13. "Rael
    

Bonus

14. Rael 2
15. Glittering Girl
16. Melancholia
17. Someone's Coming
18. Jaguar
19. Early Morning Cold Taxi
20. Hall of the Mountain King
21. Mary-Anne with the Shaky Hand
22. Girl's Eyes
23. Glow Girl

Link

Próximamente...

Algún posteo, el que sea de los Who.

The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968)

Grabado entre el 17 de marzo y el 25 de Julio, el álbum fue lanzado el 6 de diciembre del 68' -efemérides: el mismo día en que nace Randy Rhoads y muere Leadbelly-, el disco sucede al fracaso que significó Their Satanics Majesties Request (fracaso en ventas ya que artísticamente me parece muy positivo). Grabado en Londres y con Jimmy Miller como productor -con el que grabarían los 4 discos más importantes de la banda- la idea fue sacarlo para el 26 de Julio pero hubo un conflicto con su disquéra, la Decca Records, acerca del arte de la tapa. Al final la tapa tuvo que ser reemplazada por una más simplona con el fondo blanco y letras doradas. Esa tapa alternativa le valió varias criticas como en la que los acusaron de plagiar el arte de portada del Álbum Blanco de los Beatles.

Portada de mierda con la que tuvieron que reemplazar a la original

A diferencia del disco anterior, en este se deja de lado la Psicodélia y la experimentación que, según la "critica especializada" a los Stones no les calzaba bien y se vuelve a las raices bluseras y le agregan un poco de música Country en varias canciones.
Por esos días a Mick Jagger se le dio por leer en gran cantidad sobre todo poesía y filosofía, y eso, además de las revueltas sociales que se estaban dando por esos días influyó mucho en las letras de las canciones, que muchas tratan sobre la critica social y la desconformidad acerca de las acciones políticas de ese entonces -y en más de una ocasión con tonos irónicos, hilarantes y burlones-.

Ni bien salió a la venta el álbum fue un gran éxito y al poco tiempo llegó al millón de ventas, tanto en E.E.U.U. como en el Reino Unido. Pero antes de lanzar oficialmente el disco se pusieron en circulación dos singles: el archiconocido Jumpin' Jack Flash -que al final no estuvo en el disco- y Street Fighting Man, que para censurar dicha canción -y su portada- en las radios estadounidenses pusieron como excusa que fuera "desestabilizadora" en vísperas de la Convención Demócrata del 68' (ya saben, esa en la que los MC5 tocaron a pesar de los disturbios y a la que más tarde los Doors y Graham Nash le dedicaron una canción).

Bueno, volviendo un poco más atrás, después de unas pequeñas vacaciones post-fracaso discográfico Mick Jagger decidió en mejorar la producción de los discos es por eso que consulta con su ingeniero de sonido Glyn Johns, y éste le recomienda a Jimmy Miller. Miller había ganado cierta reputación ya que había sido participe de dos grandes de debúts discográficos: el de The Spencer Davis Group y sobre todo el de Traffic.

Ya habían comenzado algunos ensayos pero las grabaciones formales comenzaron después de la contratación de Miller el 14 de Marzo en los R.G. Jones Studios en Morden, Surrey (al sudeste de Inglaterra).
La ausencia a los ensayos y grabaciones de Brian Jones ya era moneda corriente pero a la de el se le sumó la del bajista Bill Wyman, es por eso que Mick Jagger tuvo que tocar la guitarra en algunas canciones y Keith Richards el bajo.
De estas primeras sesiones se grabaron las canciones "I'll Coming Home", "Rock Me Baby", "Hold On! I'm Comin'", "My Home Is A Prison", "No Expectations", "Stray Cat Blues" y los primeros demos instrumentales de Jumpin' Jack Flash. Al día siguiente se trasladaron a Londres a los Olympic Studios, y de ahí en adelante trabajaron casi sin parar hasta los últimos días de Mayo. El 28 de ese mes, siendo ya el final de las sesiones de grabación Brian Jones es arrestado por posesión ilegal de Canabis en su casa de Kings Road en Londres, pero luego fue puesto en libertad tras pagar una multa de 2.000 Libras. Cabe destacar que esta es una de las ultimas apariciones medianamente significativas de Brian Jones ya que toca varios instrumentos como la armónica, el sitar, la guitarra slide, la tambura y algunos más.

No jodan, estoy laburando

Como mencionábamos antes, el disco salio a la venta el 5 de diciembre en Estados Unidos y el 6 en el Reino Unido y para promocionarlo montaron una legendaria filmación los días 11 y 12 en el recinto Roundhouse en Londres, llamado "Rock and Roll Circus" en los que participaron John Lennon, Eric Clapton, The Who, Jethro Tull, los propios Stones, Taj Mahall y Marianne Faithfull. Y por supuesto, la parte más importante de dicha filmación fue la actuación de Dirty Mac con Lennon y Clapton en guitarras, Keith Richards en bajo (?) y Mitch Mitchell de la Jimi Hendrix Experience en los parches.

Envidia es lo único que puedo sentir por los que pudieron presenciar eso

Lenne Allik se encargó del diseño del álbum y la fotografía de la portada fue tomada por Barry Feinstein, esta consiste en la imagen de un baño público sucio con varios graffittis en la pared entre las cuales se observaban "Nixon ama a Mao" y "El sueño de Bob Dylan."
Sobre la censura a la portada del disco Mick Jagger dijo:

Realmente habíamos tratado de mantener el álbum dentro de los límites del buen gusto. Me refiero a que no mostramos todo el baño - de la portada del disco -, eso hubiera sido vulgar. ¡Sólo mostramos la mitad de arriba! Dos personas de la compañía - Decca Records - nos dijeron que la cubierta era terriblemente ofensiva. A parte de ellos no hemos encontrado a otras personas que les parezca ofensiva. Le pregunté a una persona que escogiera algo que le pareciera ofensivo - en la portada - y mencionó que lo de Bob Dylan, aparentemente El sueño de Bob Dylan le ofendió... hemos cedido demasiado en relación con el lanzamiento de la portada del disco. Inclusive les sugerí - a la disquera - que le pusieran una bolsa de papel café con la leyenda "No Apto para Niños" y el título del álbum en el exterior. Pero no aceptaron. Pero ellos se siguieron empeñando... sólo era una simple idea que nunca se había hecho antes y optamos por escribir en la pared del baño porque es donde más ves las paredes escritas. Ahí no hay nada obsceno excepto en las mentes de las personas.

Mick Jagger, septiembre de 1968

Tapa del single "Jumpin' Jack Flash"/"Street Fighting Man", obviamente censurada

1. "Sympathy for the Devil"
2. "No Expectations"
3. "Dear Doctor"
4. "Parachute Woman"
5. "Jigsaw Puzzle"
6. "Street Fighting Man"
7. "Prodigal Son" (Rev. Robert Wilkins)
8. "Stray Cat Blues"
9. "Factory Girl"
10. "Salt of the Earth"


Beggars Banquet

Crosby, Stills & Nash - Crosby, Stills & Nash

Se dice que el primer encuentro entre David Crosby (The Byrds), Stephen Stills (Buffalo Springfield) y Graham Nash (The Hollies) se dio en la casa de la ya difunta "Mama" Cass Elliot, o la otra teoría es la de el encuentro casual en el festejo por el cumpleaños de Joni Mitchell.
Más allá de donde o cuando se haya producido este hecho, Crosby y Stills ya se conocían desde hacía rato ya que en un recital de Buffalo Springfield, Crosby subió a reemplazar la sorpresiva ausencia del por entonces muy joven Neil Young.

Por su parte, Nash, que por esos tiempos pertenecía al genial y poco valorado grupo The Hollies, además de los típicos problemas internos de toda banda, Graham se sentía frustrado por los desentendimientos y los rumbos musicales que se estaban produciendo entre el y su grupo. Y con el agregado de que su matrimonio se estaba disolviendo.

Dados todos estos contextos volvamos a lo de las teorías. Tal vez la de la casa de Mama Cass sea la mas concreta, pero lo que aparentemente sucedió fue que Crosby y Stills estaban interpretando su flamante nueva canción: "You Don't Have to Cry". Nash Oyó atentamente su interpretación y cuando finalizaron éste les pidió que la repitieran. Cuando comenzaron esta vez Nash se les unió y comprobaron que tenían una química vocal perfecta.

Luego de esto, Nash corrió -literalmente- para avisar a su banda que se desvinculaba de ella.
No les fue muy difícil conseguir un contrato discográfico, ya que en febrero de 1969 firmaron con la poderosa Atlantic Records. La decisión de usar sus apellidos se debió a que de esta forma se aseguraban una total independencia si alguno de sus componentes se iba de la banda.

Con Elliot Roberts y David Geffen como managers (entre tantas otras cosas) la banda se lanzó a las sesiones de su primer disco.

La banda en acción dentro del estudio

El debut Crosby, Stills & Nash fue grabado entre Junio de 1968 y Abril de 1969 y fue lanzado el 29 de mayo ese mismo año. Rápidamente escaló los charts y posiciono en el puesto #6 de la Billboard, y tambien colocó dos canciones en el Top 40 Hits. Estas fueron "Marrakesh Express" y "Suite: Judy Blue Eyes".

En las sesiones fotográficas de la tapa del álbum

Reuniendo las influencias de cada uno de sus integrantes, desde Folk, Folk-Rock y Country hasta Rock & Roll, Rock Británico y Blues, este álbum se ha convertido en pieza fundamental para lo que fue el movimiento Hippie que se comenzó a gestar allá por 1967, en el primer Verano del Amor en Monterey y que, dos años más tarde se coronaría a si mismo como uno de los movimientos contraculturales más impresionantes de la historia en el afamado Woodstock -aunque lamentablemente se acabaría en el trágico festival de Altamont-.

Por supuesto que me falta el segundo disco Déjà Vu, en el que incorporar al canadiense Neil Young., pero prefiero dejarlo para más adelante...

1. "Suite: Judy Blue Eyes" (Stills) – 7:25
2. "Marrakesh Express" (Nash) – 2:39
3. "Guinnevere" (Crosby) – 4:40
4. "You Don't Have to Cry" (Stills) – 2:45
5. "Pre-Road Downs" (Nash) – 3:01
6. "Wooden Ships" (Crosby, Stills, Paul Kantner [uncredited]) – 5:29
7. "Lady of the Island" (Nash) – 2:39
8. "Helplessly Hoping" (Stills) – 2:41
9. "Long Time Gone" (Crosby) – 4:17
10. "49 Bye-Byes" (Stills) – 5:16

El link del disco acá, pa' comprar el disco original remasterizado acá (se lo merece, che).

Más información (pero en inglés):

http://www.crosbystillsnash.com/biography

http://www.rockhall.com/inductee/crosby-stills-and-nash

49 Bye-Byes!


PD:

Como dos gotas de agua (?)

Jefferson Airplane - Volunteers (1969)

Volunteers es el Sexto disco oficial -y quinto de estudio- de Jefferson Airplane. En este disco cambian radicalmente de estilo hacía uno mas hard-rock (convengamos que es un hard rock más primario o primitivo), al estilo Cream u otras bandas de la misma o parecida índole, pero sin abandonar los pasajes acústicos y folks de los primeros discos y la experimentación de los últimos dos discos.

En su momento fue un suceso comercial, algo habitual para los Jefferson, pero para la critica especializada al parecer no fue gran cosa y, generalmente, recibió malas criticas. De todas formas, el disco seria reivindicado años más tarde por la critica y así todo encuadrara como debe ser (?).

Pasemos a comentar como era la situación de la banda y de cada uno de sus integrantes en ése momento:
Grace Slick y Paul Kantner estaban felizmente en pareja desde hacía un tiempo, y de esa relación nacería dos años más tarde China, la primera y única hija de Slick (y de Paul, claro).

Jorma Kaukonen y Jack Kassady estaban cada día más metidos en su proyecto de Folk-Blues electroacústico paralelo a la banda llamado Hot Tuna.

Marty Balin y Spencer Dryden estaban cada vez más cansados de la banda y luego de este disco abandonarían la banda, en 1970 ambos. Marty Balin volverá recién en el 75' para unirse a lo que ya era Jefferson Starship -que después decantaría en simplemente Starship y... bueno, ya no vale la pena seguir-, mientras que Spencer sería reemplazado por Joey Covington. El reemplazo de Spencer se debió a que su relación con el resto de la banda era cada vez más conflictiva por diferencias tanto políticas como musicales. Para ese momento la banda tocaba cada vez recitales más largos y Spencer al tener ya más de 30 años y con un estilo de tocar que difería bastante con los rumbos que estaba tomando la banda decidió abandonar la nave -no sin antes grabar éste disco por supuesto-.

En el año 1968 su productor, Al Schmitt compró una casa de grandes proporciones en el 2400 Fulton Street, que estaba ubicado en el famoso Sunset Boulevard. A pesar de que la idea no les gustó demasiado al principio -ya que no les consultó nada y además usó parte del dinero de la banda- a medida de que se fueron mudando a la casa la fueron remodelandola hasta que la convirtieron en sala de ensayo. Eso les permitió grabar éste, su primer disco en su tan amado San Francisco. Y además usaron esa casa durante más de 20 años, tanto para los grabaciones de Jefferson Airplane como las de la Starship.


Entrando en el tema de las colaboraciones con músicos invitados la más importante fue la del pianista Nicky Hopkins, que aparece en la mayoría de los temas y que le dió un sonido bastante distinto al álbum. Con un marcado estilo Folk, Hopkins fue pieza clave en el nuevo sonido de la banda. También aparecen acreditados Jerry Garcia, Stephen Stills y David Crosby, que para ese momento sus aportes en los discos de la banda era algo común.

Como venía sucediendo en los anteriores discos, Paul Kantner se convierte en uno de los que más aportaría junto con Jorma Kaukonen. Quiero destacar la labor de Jorma ya que aquí consigue componer los solos y arreglos más característicos y con los que se ganó el merecido titulo de "Guitar Hero" (no se lo ganó pero se lo merece sin dudas).

El disco comienza con We Can Be Together, y en el video de dicha canción Paul le entrega el anillo matrimonial a Grace. Toda esa ternura y amor contrasta con la letra de la combativa canción ya que en ella invita a la juventud a revelarse y ponerse en contra del sistema opresor que estaba rigiendo en esos momentos -había comenzado la presidencia de Nixon-. "We are forces of chaos/and anarchy/Everything they say we are we are/And we are very/Proud of ourselves". La intro guitarrera a manos de Jorma presagia lo que vendrá un poco más adelante.

El tema Good Shepherd (Buen Pastor) es una canción religiosa tradicional arreglada y cantada por Jorma Kaukonen. A pesar de ser una clásica canción de iglesia, creo que quieren usarla como ironía para criticar a dicha institución.

En The Farm -tema en el que colabora Jerry Garcia en el slide guitar- describen un día de laburo en una granja. Linda tonadita country con el piano de Nicky Hopkins como protagonista.

¡Ahora si!. Llega lo que, para mi, es la canción más destacada del álbum. Hey Fredrick, escrita por Grace Slick es el tema de mayor duración del disco con sus hermosos 8 minutos y pico comienza con Grace en un tono tranquilo y calmado, a medida que pasa el tema va subiendo más y más notas y todo la intro decanta en una increíble zapada entre todos los miembros del grupo. Mientras que Jorma y Paul se baten a duelo -literalmente- Jack y Spencer son otro dúo aparte, improvisando toda la base rítmica de la canción. Y luego de una explosión de poderosos riffs la canción vuelve a tomar un aire más tranquilo para que Nicky Hopkins y Grace Slick la despidan con una linda pieza, en conjunto, de piano.

En Turn My Life Down, Jorma vuelve aportar con una bella canción Folk eléctrica. En este tema participa Stephen Stills encargándose del órgano Hammond.

Prosigue con Wooden Ships, canción escrita en conjunto por David Crosby, Paul Kantner y Stephen Stills. Según parece, la letra fue escrita por Kantner y Stills, y Crosby compuso la música. Ésta misma canción fue lanzada primero por el trio de Folk-Rock (mentira, son mucho más que esa etiqueta pero de alguna forma hay que denominarlos, ¿no?) en su primer disco homónimo: Crosby, Stills & Nash -que muy próximamente voy a comentar, ese disco es fija en este blog-.
La canción es claramente un tema antibélico, en el que cantado como si fuera una operita, varios de los miembros de la banda son quienes personifican a los dos protagonistas, soldados de ejércitos enfrentados que han desertado de sus filas para fundar una nueva sociedad de paz y hermandad en una tierra alejada de los países contendientes. Otra vez hay que destacar los arreglos que realiza Kaukonen, que le agrega mucho más dramatismo, más aún que la versión original.
Cuando comente el disco de C.S&N voy a rondar más en el tema.

Siguiendo con el dramatismo, Eskimo Blue Day es una buena definición de lo que es una "tema apocalíptico". La letra, que describe como el humano a provocado el posible fin del mundo, va de la mano con la lisérgica guitarra de Jorma y el oscuro sonido del piano de Hopkins.

A Song for All Seasons es un tema que Spencer había escrito hace unos años y que solían tocar de vez en cuando en algún que otro recital, pero era totalmente desconocido salvo algunos demos. Para esta vez lo despolvan de los archivos y le dan nuevos arreglos con el piano de Nicky Hopkins y con Bill Laudner en coros.

Meadowlands es una canción tradicional de la Rusia Soviética de los 30'. Tal vez sea un "guiño" hacia la doctrina comunista pero no estoy muy seguro, creo que es más bien un relleno. Stephen Stills se encargó, otra vez, con su órgano Hammond de interpretar la canción.

Así llegamos al ultimo tema y tal vez el más representativo del disco -¿será porque así se llama el disco?-, Volunteers.
El origen del tema es bastante curioso. Como les había comentado más arriba, cuando compraron la casa/mini-mansión en el Fulton Street, ya para ese momento algunos ya se habían instalado en ella, entre ellos estaba Marty Balin, que una mañana se despertó debido a un ruido que había oído y se asomó a la ventana. Allí observó como los soldados "Voluntarios de América" recogían la basura, y en tan solo un rato escribió la letra de la canción. Más tarde se la mostraría a Paul y junto con el resto la musicalizarían.

1. We can be together
2. Good shepherd
3. The farm
4. Hey Fredrick
5. Turn my life down
6. Wooden ships
7. Eskimo blue day
8. A song for all the seasons
9. Meadowlands
10. Volunteers

Link Mediafire

Bueno, sepan disculpar las constantes faltas de ortografía y la apestosa redacción, je. Espero les sirva la info y disfruten de un discazo de todos los tiempos.

Si tuviéramos que definir un punto desde donde el metal, el stoner y hasta el grunge comenzaran, muy probablemente se trataría de enero de 1968, mes en el que saliera el primer disco de un entusiasta trío de rock duro y psicodélico llamado Blue Cheer. Vincebus Eruptum se llamaba el disco, y era una obra que se distanciaba bastante de lo que el psych de aquellos años tenía para ofrecer.

El álbum que Dickie Peterson (bajo y voz), Leigh Stephens (guitarra) y Paul Whaley (batería) habían concebido era descarnadamente agresivo, poderoso y directo. Parecía un mal viaje de LSD por su psicodélica fuerza: guitarras elevadas, batería estruendosa y la voz de Peterson confrontacional, implacable. Su rendición del clásico de Eddie Cochran "Summertime Blues", que abría el disco, era casi un manifiesto: habían deformado la canción hasta transformarla en un torrente de poder con un ritmo indetenible (y que un largo tiempo después muchas bandas siguen intentando emular). En sus breves seis temas Blue Cheer se mostraba duro pero inteligente, distorsionado pero cuidado.

El grupo se había formado en San Francisco (California) en 1966 y como cuarteto. Ya en 1967 eran el trío que se menciona arriba; con el que grabaron en el mismo 1968 este disco y su estupendo continuador OutsideInside, doble de mayor injerencia psicodélica, más sutileza y menos fuerza. El gran tema de la banda fueron sus permanentes cambios de alineación que los llevaron de cuarteto (con teclados) a trío y viceversa. Aún pese a esto sacaron un par de discos muy interesantes en 1969: New! Improved! (disco doble entre cuarteto y trío) y Blue Cheer; y uno más, The Original Human Being (1970) ya sólo con un miembro fundador (Peterson).

En 1971 editaron un sexto e irrelevante disco, Oh! Pleasant Hope, y al ver que éste fracasaba, se separaron. La llama mística que Peterson, Stephens y Whaley habían encendido se apagaba, y nadie más que ellos podía conservarla. En los '80, vuelven otra vez como trío y, con Whaley en el sillín, editan un nuevo disco (The Beast Is Back, 1984) y un soberbio directo, Blitzkrieg Over Nüremberg ('89).

Nunca el suceso los alcanzó como en Vincebus Eruptum, pero el status místico alcanzado con sus primeros discos les ha servido para seguir activos hoy en día.


1. Summertime Blues (3:47)
2. Rock Me Baby (4:23)
3. Doctor Please (7:53)
4. Out Of Focus (3:58)
5. Parchment Farm (5:50)
6. Second Time Around (6:18)


Link Rapidshare

Me olvidé de que la descripción la saqué de acá, perdón.

Pearl Jam - Ten (1991)

"Ten" es el primer disco de una de las bandas más representativas del movimiento denominado como Grunge, que comenzó a finales de los 80's y que duró aproximadamente hasta finales de los 90's.

Gracias a éste poderoso debut Pearl Jam, de la noche a la mañana se transformó en una banda ícono de este movimiento de principal origen en la ciudad de Seattle. Con letras que hablan sobre las distintas perturbaciones que se viven (y se sufren) en la adolescencia como inseguridades típicas de un joven que está en busca de su propia personalidad e identidad y que de a poco se va alejando del lecho paterno.
Con guitarras potentes y distorsionadas, este disco parece como una especie de canalización de las frustraciones o miedos que suelen vivirse en ésta etapa tan complicada de la vida.

Las letras son directas y sin vueltas, lo mismo que la música. Realmente no tengo mucho para agregar sobre éste álbum, lo amo y si no lo conocen sé que ustedes terminaran de la misma manera que yo, más que recomendado.

1. "Once" (Eddie Vedder, Stone Gossard) – 3:51
2. "Even Flow" (Vedder, Gossard) – 4:53
3. "Alive" (Vedder, Gossard) – 5:40
4. "Why Go" (Vedder, Jeff Ament) – 3:19
5. "Black" (Vedder, Gossard) – 5:43
6. "Jeremy" (Vedder, Ament) – 5:18
7. "Oceans" (Vedder, Gossard, Ament) – 2:41
8. "Porch" (Vedder) – 3:30
9. "Garden" (Vedder, Gossard, Ament) – 4:58
10. "Deep" (Vedder, Gossard, Ament) – 4:18
11. "Release" (Ament, Gossard, Dave Krusen, Mike McCready, Vedder) – 9:04

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PD: dice "Taringa.net" porque tengo pensado postear algunas cositas de Pearl Jam allí.

Jefferson Airplane - After Bathing at Baxter's (1967)

After Bathing At Baxter's es, tal vez, el mejor disco de los californianos Jefferson Airplane. Fue lanzado sólo unos meses después de su disco más popular: Surrealistic Pillow. En él la experimentación es el principal factor y nos presenta canciones de toda clase e índole. A diferencia de su anterior trabajo, aquí se deja de lado el Acid-folk que predominó anteriormente para darle paso a un estilo de psicodelía mas pesado, denso y experimental.
El dúo Cassady/Kaukonen toman la posta en lo que respecta a instrumentación y sueltan todo su espíritu de improvisación -o mejor dicho de jams-. Pero sin dudas el que más se destaca (y aunque no se note) es Paul Kantner. La mayoría de las letras -y parte de la instrumentación también- es de su autoría.

El disco comienza con la suite "Streetmasse" que contiene las siguientes canciones. Una de las canciones que se volverían parte del repertorio habitual en sus conciertos, "The Ballad of You & Me & Pooneil". Con gran interpretación vocal de Slick y Balin y un riff muy pegadizo por parte de Kaukonen, fue uno de los temas con los que volvieron a entrar en los Charts americanos y britanicos.
Prosigue con una canción bastante lisérgica y trillada como "A Small Package of Value Will Come to You, Shortly" en el que la percusión de Spencer Dryden es lo más destacable.
Conectada con la anterior y cerrando ésta primera suite viene "Young Girl Sunday Blues".

Abriendo la segunda suite, "The War Is Over", ésta el tema "Martha" escrito por Kantner y dedicado a Martha Wags, la hija del intendente de Sausalito. Era una muchacha muy joven y linda, según Spencer Dryden. Comenta Spencer que Martha se escapó de su casa y se ocultó en la casa de Paul Kantner por la que solía rondar por esos días. Continúa con "Wild Tyme" y como bien dice el titulo -Tiempos salvajes-, habla sobre los cambios que el verano del amor (y demás revoluciones al rededor del mundo) estaban produciendo, gran solo por parte de Kaukonen. Ésta canción también cierra la segunda suite del disco.

En la tercera suite denominada "Hymn to an Older Generation" (himno para una vieja generación) la abre "The Last Wall of the Castle" tema compuesto por Kaukonen y en la que pide desesperadamente a alguna dama que lo perdone y le enseñe a amar.
"Rejoyce" de autoría de Grace Slick es una critica al típico "sueño americano" y a los tipos que tratan de alcanzarlo segadamente y sin pensar en la gente que los rodea. De esta letra no estoy muy seguro de su definición, en ella utiliza varias metáforas y que pueden tener distintos significados (y también hay que agregarle que mi comprensión sobre el idioma ingles no es de las mejores).

La siguiente suite -"How Suite It Is"- contiene dos canciones que están conectadas entre sí. "Watch Her Ride" y "Spare Chaynge", ésta ultima una lisérgica zapada de mas de 9 minutos de duración, para mi, uno de los puntos más altos del disco.

La quinta y ultima suite "Schizoforest Love Suite" finaliza con los temas "Two Heads" de Grace Slick y "Won't You Try/Saturday Afternoon". Ésta ultima seria la canción que inmortalizarían en su legendaria actuación en Woodstock 69'.

Un disco muy parejo, bien organizado, prolijo y con muchísima experimentación. Su siguiente álbum "Crow of Creation" seguiría, más o menos, la misma linea que éste y consiguiendo otro espectacular disco que sin dudas otro día comentaré.


01. "The Ballad of You & Me & Pooneil" (Kantner) – 4:29
02. "A Small Package of Value Will Come to You Shortly" (Dryden/Blackman/Thompson) – 1:39
03. "Young Girl Sunday Blues" (Balin/Kantner) – 3:33
04. "Martha" (Kantner) – 3:26
05. "Wild Tyme" (Kantner) – 3:08
06. "The Last Wall of the Castle" (Kaukonen) – 2:40
07. "rejoyce" (Slick) – 4:01
08. "Watch Her Ride" (Kantner) – 3:11
09."Spare Chaynge" (Casady/Dryden/Kaukonen) - 9:12
10. "Two Heads" (Slick) – 3:10
11. "Won't You Try / Saturday Afternoon" (Kantner) - 5:09


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Disfruten de la mejor banda de la historia y de la mujer más hermosas de todas. Y disculpen los errores de ortografía, je.

Love - Forever Changes (1967)

1. “Alone Again Or” (Maclean, – 3:16)
2. “A House is Not a Motel” (Lee, – 3:31)
3. “Andmoreagain” (Lee/Maclean, – 3:18)
4. “The Daily Planet” (Lee, – 3:30)
5. “Old Man” (Maclean, – 3:02)
6. “The Red Telephone” (Lee, – 4:46)
7. “Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale” (Lee, – 3:34)
8. “Live and Let Live” (Lee, – 5:26)
9. “The Good Humor Man He Sees Everything Like This” (Lee, – 3:08)
10. “Bummer in the Summer” (Lee, – 2:24)
11. “You Set the Scene” (Lee, – 6:56)

Ésta descripción tal vez la puedan encontrar en el blog Soydelmontón, pero lo cierto es que es de mi propia autoría -sino preguntenle a fantomas-.

Forever Changes es el tercer álbum de Love, una banda de rock estadounidense de finales de los 60 y principios de los 70. Estuvo encabezada por el cantante, guitarrista y compositor Arthur Lee junto con el segundo compositor del grupo, el guitarrista Brian MacLean.

Fue una de las primeras bandas “multiétnicas” americanas, y su música reflejó un notable rango de influencias, combinando elementos rock, folk rock, showtunes y psicodelia.

Forever Changes es una de las obras precursoras y clave, que ayudó a definir a la psicodelia que recién estaba surgiendo en esos momentos. A diferencia de su anterior disco, Da Capo, que fue un tanto más improvisado, en éste se notan los brillantes arreglos de cada instrumento (y sobre todos los orquestales a cargo de David Angel).

También es precursor en utilizar instrumentos poco convencionales para la época como violines, violonchelo, trombón y demás (que de todas formas ya lo habían hecho los Beach Boys un año antes con el majestuoso Pet Sounds).

El disco comienza con lo que se convertiría en el himno de la banda, Alone Again Or, Genial composicion con tintes de música española, con una guitarra haciendo mágicos punteos, magníficos coros y un espectacular solo de trompeta. No sorprende que se haya convertido en el hit más importante de la banda.

Continúa con A House Is Not A Motel, canción en la que, esta vez, las guitarras de Johnny Echols y Bryan MacLean toman la posta y realizan, primero, un solo al estilo Surf Jam de los Beach Boys, y que luego se transforma en un formidable duelo guitarrero entre ambos.

En And More Again toman un clima un poco más calmado y dan espacio (y énfasis) a los arreglos orquestales.

El álbum prosigue con A Daily Planet, en la que Lee describe lo que sucede a través de una ventana. Alli afuera hay una, tal vez, ficticia mujer y sus hijos. Old Man Changes es una bella canción con arreglos clásicos cantada y acreditada a Maclean.

The Red Telephone contiene retazos folks, psicodélicos y como en todo el disco los grandes detalles instrumentales como los violines y un violoncelo, muy bella.

En Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark and Hilldale, Lee predestina su “supuesta” muerte (que por suerte no sucedió hasta mucho tiempo después).

Live And Let Live está compuesta por una reminiscencia de pop excelente, con grandes coros y una atmósfera muy cálida que inmediatamente se corta (o se transforma) con un muy buen solo de guitarra de Echols.

The Good Humor Man He Sees Everything Like This es una bella canción pop con retazos barrocos y con un final muy original. Bummer In The Summer, como lo indica su titulo (Decepción De Verano) trata sobre una relación amorosa fallida.

You Set The Scene con una letra bastante confusa, es la que cierra audazmente esta obra maestra concedida por lo que supo ser un artista brillante: Arthur Lee.

Mas allá de cualquier descripción, reseña o lo que sea, es más valioso escuchar el disco y sacar sus propias conclusiones. Lo que sí recomiendo es escucharlo más de una vez ya que siempre se encuentran grandes detalles en esta genialidad.

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Love - Alone Again Or